Talisa Lallai & Markus Saile

time is the longest distance

24. November 2017 - 13. January 2018

Looks go through surfaces, cut through semi-transparent layers, follow textures without grip. Moreover, one tries to follow the effects created by light, action, emulsion and painting mediums in the paintings. Movements of the eyes and your senses will be activated in the exhibition Time is the longest distance by Talisa Lallai and Markus Saile. Due to the fact that the photographic and artistic works are diaphane, therefore transparent: Their structures and colour levels are overlaying, but at the same time remain visible. The term diaphane stems from the architectural field and describes a progression of layers and spaces, which become translucent through the light. Maurice Merleau-Ponty emphasises in Eye and Mind, that the body in an artistic process, unites conflicting moments, which are projected from the production of the paintings on to the visitors in the gallery. These include the active part of seeing and movement as well as the passive movement and visibility, which is precisely what Lallai and Saile reflect in their artistic practice both via various mediums and their work on the paintings, which develops with and in time.

Talisa Lallai, born 1989 in Frankfurt/Main, who lives in Dusseldorf uses photo material from private photo albums she encounters at flea markets, which she finally scans. By this she generates a distance to the photo’s patina and its materiality, through signs of aging, also with regard to its history by turning from a personal into a historically and culturally documented photo: like the classic Egyptian motive The Pyramids sound lonely tonight (2017), which she printed as a broadsheet on newsprint, like a tiara of the Egyptian pharaoh Tutankhamun. Whilst turning an analog shot into a digital one in a small format, framed in dark oak wood, Lallai preserves the photography in its state and make it accessible as an aesthetic and nostalgic motive in the exhibition. The various time levels captured in the image, become comprehensible in the process of finding, choosing and reproducing through mechanical scanning. Lallai has chosen travel views for the exhibition in the Nathalie Halgand Gallery, which only imply excavations as well as an Egyptian context and highlight the translucence. More decisive however are the colour changes which have developed over time as well as abstract-plastic shapes, caused by mold and mildew, which have become part of the photographic surface. Besides the recognisable picture elements other structures are added to the caption therefore adding a new tactile level: In Mold (Blue) from 2017 one can see cross-overs or cave structures. These are now part of the archaeology of the image, which tell the story of the destructive impact on the photographic object besides the photographic lighting. In this they develop an own, expressionistic and abstract sensuality. Compared with the photographic works of Talisa Lallai which can be equally seen as time documents as well as indicators of the decay process, the painting of Markus Saile, born 1981 in Stuttgart, who now lives in Cologne one recognises distinct periods of time of editing of his image carriers made from plywood or MDF. Due to the matt surface one can only guess the dense undercoat and the endless sequence of thin glazed layers. On the other hand the fluidity and movement of the through painting material liquified paint, as well as the traces of editing form tracks into the material, which appear as time actions just like in the photos. The opaque but also light background of the painting develops into the venue for various revisions, which have firstly arisen in layers and which have been covered, later washed out, polished and sanded, which let different states emerge at the same time. With this subtle technique these small and medium format works of art immediately address the the visitors. Some works, like the vertical format and horizontal format (both Untitled, 2016), reveals to recognise a frontality similar to the display. Jan Verwoert has also described this quality for the American colour-field painting. By condensing the image edges through undercoat, which emphasises the format, a contrast to the living surface emerges, which gives these works the appearance of analog screens. The specifics of the painting technique subside like in a photographic Close-Up in favour of the colour texture and -reflexion, similar to the colour experiment works of Wolfgang Tillmans. The All-Over-Effect, which is already commonly utilised in the abstract expressionism, is used experimentally by Markus Saile by compressing the edges and the by the fluidity of the surface: He opens his picture spaces to a visually vibrating membrane.

Whilst Talisa Lallai’s photo works emphasise the development of independence of shapes and colour-overlay to abstraction like Mold(Blue) und Mold(Pink) (2017), Markus Saile’s works have an opposite tendency: structure and shape develop due to the own movement of the colour and are therefore abstract. Due to the overlay of clayey glazes, coincidental processes and light accents, like in the horizontal format Untitled (2016), one can associate the textures of the diaphane overlaying layers with cave walls with stalactites. Therefore, one has a certain proximity to colour- and structure-changing shots.

Both Lallai and Saile both work distinctively but with tactility and distancing, in their picture practices without hierarchies, the eye and movement remain in constant stimulation. Their process of image-making is not just something temporal concerning the production but also with regard to historically found, newly-edited material, with which they enter into various spaces. The title of the show – Time is the longest distance, suggests that the simultaneous contemplation of undefined length of time and of a specific period uncovers time layers (just like Reinhart Koselleck mentioned in his essay which goes by the same name), does not just let one view historical material after a certain amount of time but also reanimates the process of image-making.

Lilian Haberer

 About the artists

Talisa Lallai (born 1989 in Frankfurt, lives and works in Düsseldorf) studied at the Arts Academy Düsseldorf. Recent exhibitions include: Lento Violento, Boltelang (2017); Timbuktu, Kunstverein Reutlingen (2017); Slow Waves, Van Horn, Düsseldorf (2016); Melike Kara, Talisa Lallai, Lindsay Lawson, curated by Maria Chiara Valacchi, Studiolo, Milan (2016); Cuprum, curated by Clarissa Tempestini, Cultural Foundation, Nicosia, Cyprus (2016); This Is Your Replacement, curated by Adam Carr, Sies + Höke Galerie, Düsseldorf (2016); Junge Römer, solo, Tom Dick or Harry, Düsseldorf (2015); The Pleasant Shore, solo, Bolte Lang, Zürich (2015); TERRA INCOGNITA – Wahrnehmung der Landschaft in der Gegenwart, Kunst im Tunnel, Düsseldorf (2015); Disappear Here, solo, curated by Alexandra Blättler, Coalmine, Winterthur (2014).

Markus Saile (born 1981 in Stuttgart, lives and works in Cologne) studied at the Hochschule der bildenden Künste in Braunschweig. Recent exhibitions include: Your Figure In The Carpet, Zero Fold, Cologne; Creating Space, BMW Stiftung, Berlin (2017); Benefizauktionsausstellung, Neuer Aachener Kunstverein, Aachen, o.T. (ohne Titel), Arp Museum Rolandseck (2015); Magere Zeiten, RECEPTION, Berlin (2014), Köln um halb 8 Temporary Gallery, Köln, non-travail, Kunstverein Springhornhof, Neuenkirchen (2013),Crystal Clear & Cloudy (with Dani Jakob), RECEPTION, Berlin, Corridor Plateau III, Galerie DREI, Cologne (2013); every so often (with Anna Virnich), DREI Raum, Cologne.

Blicke dringen durch Oberflächen, durchmessen semitransparente Schichten, folgen den Texturen und finden keinen festen Halt. Vielmehr suchen sie den durch Licht, Handlung, Emulsion oder Malmittel entstandenen Einschreibungen ins Bild zu folgen und einer Distanzierung durch die gewählten Bildformate. Bewegungen der Augen und des Sinns werden in der Ausstellung Time is the longest distance von Talisa Lallai und Markus Saile unmittelbar aktiviert. Denn die fotografischen und bildnerischen Arbeiten sind diaphan, demnach durchscheinend: Ihre Strukturen und Farbebenen überlagern sich, bleiben aber dennoch sichtbar. Als Begriff aus der Architektur beschreibt das Diaphane eine Staffelung von Ebenen und Räumen, die durch Licht transluzent werden. Wie Maurice Merleau-Ponty in Eye and Mind betont, vereint der Körper im künstlerischen Prozess, der sowohl den aktiven des Sehens, Bewegens als auch den passiven des Sichtbaren und Bewegtwerdens umfasst, widerstreitende Momente, die sich von der Produktion der Bilder bis hin zu den Besucher*innen in den Räumen der Galerie übertragen. Eben das Sicht- und Wahrnehmbare reflektieren Lallai und Saile in ihrer künstlerischen Praxis jeweils über andere Medien, aber in ähnlicher Weise über ihre Arbeit am Bild. Dieses eignen sie sich an als etwas, das sich in und mit der Zeit entfaltet.

So verwendet die in Düsseldorf lebende Künstlerin Talisa Lallai (*1989, Frankfurt am Main) Fotomaterial aus privaten Familienalben unterschiedlicher Jahrzehnte, Sehnsuchtsmotive und Reisebilder, die sie auf Flohmärkten findet und scannt. Damit erzeugt sie eine Distanz zur Patina des Fotos und seiner Materialität durch Alterungs- und Gebrauchsspuren, auch im Hinblick auf seine Geschichte, die aus einem persönlichen Kontext heraus zu einem kulturell wie historisch exemplarischen dokumentarischen Bild wird: wie bei der klassischen Ägyptenaufnahme The Pyramids sound lonely tonight (2017), die sie ebenso wie ein Schmuckmotiv des ägyptischen Pharaohs Tutanchamun als großformatige Prints auf Zeitungspapier reproduziert hat. Indem Lallai eine analoge in eine digitale Aufnahme überführt, die für die Ausstellung kleinformatig geplottet und in dunklem Eichenholzrahmen präsentiert wird, konserviert sie zugleich die Fotografie in ihrem Zustand und macht diese in der Ausstellung als ästhetisches und mitunter nostalgisches Erinnerungsobjekt zugänglich. Die verschiedenen, auch im Bild bewahrten Zeitebenen werden über den Prozess des Findens, Auswählens und Reproduzierens durch maschinelles Abtasten nachvollziehbar. Für die Ausstellung in der Galerie Halgand hat Lallai Reiseansichten ausgewählt, die eine Ausgrabungsstätte wie auch einen ägyptischen Kontext nur andeuten und das Durchscheinende hervorheben. Viel entscheidender jedoch sind die entstandenen Farbveränderungen sowie abstrakt-plastische Formen, die durch Feuchtigkeit einen Schimmelpilz hervorgerufen und mit diesem in die fotografische Oberfläche eingegriffen haben. Neben den erkennbaren Bildelementen werden der Aufnahme andere Strukturen und damit eine neue taktile Ebene hinzugefügt: So sind in Mold(Blue) von 2017 durch den Pilz vermeintliche Überblendungen oder Höhlenstrukturen zu sehen. Sie sind nun Teil der Archäologie des Bildes geworden, die neben der fotografischen Belichtung eine Geschichte der schädigenden Einwirkungen auf das fotografische Objekt erzählen. Darin entwickeln sie wiederum eine eigentümliche, expressionistische und abstrakte Sinnlichkeit.

Sind die fotografischen Arbeiten Talisa Lallais gleichsam als Zeitdokumente wie auch als Indikatoren der zeitlichen Verfallsprozesse in der Ausstellung gegenwärtig, so werden bei den Bildern des in Köln lebenden Künstlers Markus Saile (*1981 in Stuttgart) unterschiedliche Zeiträume der Bearbeitung und Überarbeitung seiner objekthaften Bildträger aus MDF oder Sperrholz erkennbar. Die matte Anmutung der Oberflächen lässt einerseits die dichte Grundierung und die unendliche Folge dünn lasierter Schichten nur erahnen. Andererseits entstehen über die Fluidität und (Selbst)bewegung der durch Malmittel verflüssigten Farbe wie auch der Bearbeitungsspuren Einschreibungen in das Material, die wie bei den Fotoarbeiten als zeitliche Handlungen in Erscheinung treten. Der opake und dennoch helle Grund des Bildes wird zum Austragungsort für unzählige Überarbeitungen, die zunächst in Schichten entstanden und überdeckt, dann freigewaschen, und -geschliffen die verschiedenen Zustände gleichzeitig hervortreten lassen und wiederbeleben. Mit dieser gegenläufig operierenden, subtilen Technik adressieren seine für die Ausstellung ausgewählten klein- und mittelformatigen Bildwerke die Betrachter*innen unmittelbar. Einige Arbeiten, etwa das Quer- und das leichte Hochformat (beide ohne Titel, 2016), lassen in dem, was sie zu sehen geben, dem Display ähnlich eine Frontalität erkennen. Diese Qualität hat Jan Verwoert ebenfalls für die amerikanische Farbfeldmalerei beschrieben. Durch die aus Grundierung verdichteten Bildkanten, die das Format betonen, entsteht ein Kontrast zur belebten Fläche, der diese Arbeiten als analoge Screens erscheinen lässt. Die Spezifika der Maltechnik treten wie bei einem fotografischen Close-Up zugunsten der Farbtextur und -reflexion zurück – ähnlich wie bei den Farbexperiment-Fotoarbeiten von Wolfgang Tillmans. Der bereits im abstrakten Expressionismus gängige All-over-Effekt des Bildes wird von Markus Saile über die Verdichtung der Ränder und Fluidität in der Fläche experimentell genutzt: So öffnet er seine Bildräume zu einer visuell vibrierenden Membran.

Werden in Talisa Lallais Fotoarbeiten die Verselbständigung von Formen und Farbüberblendungen zur Abstraktion wie bei Mold (Blue) und Mold (Pink) von 2017 wirkmächtig, so ist in Markus Sailes Bildwerken eine gegenläufige Tendenz zu beobachten: Struktur und Form entstehen über die Eigenbewegung der Farbe, sind daher ungegenständlich. In der Überlagerung der tonigen Lasuren, zufälligen Verläufe und hellen Akzente, wie bei dem Querformat ohne Titel (2016), lassen die Texturen der sich diaphan überlagernden Schichten Höhlenwände mit Stalaktiten assoziieren und haben damit wieder eine Nähe zur farb- und strukturveränderten Fotoaufnahme.

Lallai und Saile arbeiten beide – wenn auch unterschiedlich – mit Taktilität und Distanzierung, in ihren Bildpraxen ohne Hierarchisierungen bleiben Auge und Bewegung ständig stimuliert. Ihr prozessuales Verfahren der Bildfindung ist somit nicht nur in der Produktion, sondern auch im Umgang mit gefundenem, historischem und erneut bearbeitetem Material ein zeitliches, mit dem sie verschiedene Räume durchmessen. Time is the longest distance – der Ausstellungstitel legt nahe, dass die gleichzeitige Betrachtung unabsehbarer Dauer und eines bestimmten Zeitraums Zeitschichten freilegt (wie sie Reinhart Koselleck bereits in seinem gleichnamigen Aufsatz für die Geschichte konstatierte), die nicht nur Historisches verzeitlicht betrachten lassen, sondern hier vor allem den Prozess der Bildfindung reanimieren.

Lilian Haberer


Über die Künstler*in

Talisa Lallai (*1989 in Frankfurt am Main, lebt und arbeitet in Düsseldorf), studierte an der Kunstakademie Düsseldorf in der Klasse von Georg Herold und Rebecca Warren. Ausstellungsbeteiligungen: Lento Violento, Bolte Lang, Solo Show (2017), Timbuktu, Solo Show, Kunstverein Reutlingen (2017), Cuprum, Gruppenausstellung kuratiert von Clarissa Tempestini, Cultural Foundation, Nicosia, Zypern (2016), This Is Your Replacement, Gruppenausstellung kuratiert von Adam Carr, Sies + Höke Galerie, Düsseldorf (2016), Melike Kara, Talisa Lallai, Lindsay Lawson, Studiolo, Milano (2016), Junge Römer, Solo Show, Tom Dick and Harry, Düsseldorf (2015), TERRA INCOGNITA – Wahrnehmung der Landschaft in der Gegenwart, Gruppenausstellung, Kunst im Tunnel, Düsseldorf (2015), The Pleasant Shore, Solo Show, BolteLang, Zürich (2015), Disappear Here, Solo Show kuratiert von Alexandra Blaettler, Coalmine, Winterthur (2014).

Markus Saile (*1981 in Stuttgart, lebt und arbeitet in Köln) studierte an der Hochschule der bildenden Künste in Braunschweig. Ausstellungsbeteiligungen: Your Figure In The Carpet, Zero Fold, Köln; Creating Space, BMW Stiftung, Berlin (2017); Benefizauktionsausstellung, Neuer Aachener Kunstverein, Aachen, o.T. (ohne Titel), Arp Museum Rolandseck (2015); Magere Zeiten, RECEPTION, Berlin (2014), Köln um halb 8 Temporary Gallery, Köln, non-travail, Kunstverein Springhornhof, Neuenkirchen (2013), Crystal Clear & Cloudy (mit Dani Jakob), RECEPTION, Berlin, Corridor Plateau III, Galerie DREI, Cologne (2013); every so often (mit Anna Virnich), DREI Raum, Köln.